Theodore Walter «Sonny» Rollins (nacido el 7 de septiembre de 1930 en la ciudad de Nueva York) es un saxofonista de jazz americano reconocido como uno de los más importantes e influyentes músicos de jazz de la era post-bebob. La larga y prolífica carrera de Rollins comenzó a la edad de 11 años y comenzó a tocar con la leyenda del piano Thelonious Monk antes de cumplir los 20 años. Un gran número de sus composiciones, ente las que se incluyen «St. Thomas», «Oleo», «Doxy», y «Airegin», se han convertido en estándares del jazz.
«St. Thomas» es probablemente la pieza más reconocible en su repertorio de la que es normalmente citado como su compositor. Sin embargo, en realidad está basada en una canción infantil típica de las Islas Vírgenes, la cual solía cantar la madre de Rollins cuando él era un niño. Debido a ello posee un ritmo caribeño.
«St. Thomas»se hizo popular cuando fue publicada en el álbum de Rollins de 1965, Saxophone Colossus, aunque había sido grabada previamente por Randy Weston en 1955 bajo el título de «Fire Down There», en su álbum Get Happy. La melodía está considerada como uno de los estándares del jazz y ha sido grabada por multitud de artistas.
En este vídeo aparece el saxo de Sonny Rollins con una compañía excepcional: el pianista Kenny Drew, un jovencísimo Niels-Henning Ørsted Pedersen al bajo y el batería Albert «Tootie» Heath.
Una vez más, escuchando el podcast del programa de Radio 3 Sonideros he dado con un artista desconocido para mí hasta ahora. Rahsaan Roland Kirk (1935-1977) es un músico ciego conocido por ser un multi-instumentalista del jazz que tocaba y coleccionaba un gran número de instrumentos, principalmente saxofones, clarinetes y flautas, además de otros muchos. Sus principales eran el saxo tenor y otras dos variantes extrañas: el stritch (un saxo alto alargado sin el típico final curvado) y un manzello (un saxo saxello soprano modificado con un final más grande y más curvado). Kirk modificó esos instrumentos él mismo para acomodar su técnica de interpretación simultánea.
Normalmente aparecía en el escenario con los tres instrumentos colgando de su cuello, así como una variedad de otros instrumentos en los que se incluían las flautas y los silbatos, y normalmente tenía un gong a mano. Kirk también tocaba el clarinete, la armónica, el cuerno inglés y era un trompetista muy competente. A menudo usaba aplicaciones únicas, como usar una boquilla de un saxofón en una trompeta o el uso de la flauta nasal. Además también usaba objetos no musicales, como despertadores, sirenas o una sección de mangueras de jardín comunes (a las que se refería como «the black mystery pipes»).
Había gente que pensaba que la apariencia bizarra de Kirk en el escenario y la interpretación simultánea eran pantomima, especialmente viniendo de un hombre ciego, pero esas opiniones se desvanecían cuando el músico comenzaba a tocar. Usaba sus múltiples instrumentos de viento para tocar verdaderos acordes, funcionando como una auténtica sección de saxos. Kirk insistía que simplemente estaba intentando imitar los sonidos que escuchaba en su cabeza.
Además, es el principal exponente de la respiración circular, una técnica utilizada en la ejecución de instrumentos de viento y sirve para evitar tener que interrumpir el sonido al respirar. Esto se logra almacenando aire en la boca y empujarlo con las mejillas mientras se inhala aire por la nariz, para luego continuar exhalando aire desde los pulmones. Usando esta técnica no sólo era capaz de mantener una nota durante un extenso período de tiempo sino que también podía tocar progresiones de longitud virtualmente ilimitada y a gran velocidad.
«Close to Me» es el título de un single publicado en 1985 por la banda The Cure y extraído de su álbum The head on the Door. Existen dos versiones de la canción «Close to Me», una con una sección de instrumentos de metal y otra sin ella. La versión sin estos instrumentos es la versión original presente en el álbum mientras que la otra es una remezcla que fue publicada como un single y aparece en Staring at the Sea: The Singles. La sección de instrumentos de metal es en realidad una adaptación de una marcha fúnebre tradicional de New Orleans. El mix de 12″ contiene un arreglo más extenso de esta sección, con material original no presente en otras versiones.
Las versiones con sección de metal también incluyen al comienzo el ruido del crujido de una puerta al cerrarse que proviene del inicio del vídeo musical que fue grabado para la canción, que fue escrito y dirigido por Tim Pope, el frecuente director de los vídeos de la banda. En él aparecen todos los miembros de la banda dentro de un armario en el borde de un acantilado. Siguiendo el esquema de la canción, van apareciendo los músicos en su interior pero no tocan los instrumentos que deberían en realidad usan, por razones obvias. Boris Williams simplemente aplaude al ritmo, Lol Tolhurst toca un pequeño teclado y Porl Thompson, que se encuentra en el estante superior, puntea un peine para representar los sonidos agudos en la canción. El bajista Simon Gallup no toca, simplemente aparece amarrado y amordazado. Más tarde Tim Pope revelaría que que Gallup tenía una bombilla dentro de su boca para crear la sensación de estar «iluminado desde dentro» y la tela estaba ahí para esconder el cable.
Robert Smith aparece entonces desde el fondo del armario y canta mientras juega con uno muñecos en sus dedos, que resultan ser muñecos de vudú de los miembros de la banda, así que cuando los mueve el miembro correspondiente también lo hace. Cuando se vuelve más violento con los muñecos, agitándolos fuertemente, provoca que los músicos se golpeen con las paredes del armario lo que acaba por producir que el armario caiga por el borde del acantilado hasta el mar. A medida que se hunde, el armario se llena lentamente de agua mientras los músicos continúan tocando. El vídeo termina con el armario lleno de agua y un miembro de la banda empujando un pato de goma por la pantalla.
La letra de la canción contiene las palabras «If only I was sure / that my head on the door was a dream», que inspiraron el título para el álbum.
I’ve waited hours for this
I’ve made myself so sick
I wish I’d stayed asleep today
I never thought this day would end
I never thought tonight could ever be
This close to me
Just try to see in the dark
Just try to make it work
To feel the fear before you’re here
I make the shapes come much too close
I pull my eyes out
Hold my breath
And wait until I shake…
But if I had your faith
Then I could make it safe and clean
If only I was sure
That my head on the door was a dream
I’ve waited hours for this
I’ve made myself so sick
I wish I’d stayed asleep today
I never thought this day would end
I never thought tonight could ever be
This close to me
But if I had your face
I could make it safe and clean
If only I was sure
That my head on the door was a dream
Existe además otro vídeo musical para una remezcla del single publicada en 1990 y titulado Close to Me · Remix. El vídeo comienza donde el original terminaba, con el armario cayendo por el acantilado y hundiéndose hasta el fondo del mar. Rober es el primero en salir y es atacado por un pulpo, que se ve ve más tarde tocando los instrumentos de metal. Después su lucha, el resto de miembros de la banda intentan escapar pero son atacados por una estrella de mar. El vídeo termina sin que ningún músico pueda alcanzar la superficie por lo que pueden ver un bote sobre ellos.
La historia de Scala es realmente un sueño hecho realidad. Los estudios clásicos de los hermanos Kolacny, Steven al piano y Stijn en la dirección, han convertido a este coro femenino belga en un fenómeno internacional, interpretando versiones adaptadas de canciones de grupos como Radiohead, U2, Rammstein o Nirvana, por nombrar unos cuantos, además de sus propias composiciones igualmente exitosas frente a una gran audiencia en todo el mundo.
Actualmente Scala posee en su lista de integrantes más de 200 mujeres jóvenes con edades comprendidas entre los 16 y los 26 años pero el coro comenzó siendo muy pequeño. Su primera actuación tuvo lugar el 2 de abril de 1996 con tan sólo 18 cantantes. La intención de los hermanos era la de trabajar con «voces» en su tiempo libre y pensaron que un coro podría ser la mejor forma para su experimento.
Scala comenzó más o menos como un coro clásico. Sus muchas actuaciones, trabajo duro y perseverancia condujeron muy pronto a conseguir premios en festivales corales y concursos. En su país natal, Bélgica, Scala se convirtió en el «Coro del Año 1999-2000» y ha cosechado importantes premios alrededor del mundo. En su búsqueda de un «sonido diferente», el mayor de los hermanos, Steven, comenzó a arreglar éxitos del pop y del rock, que el hermano menor Stijn dirigía. Esto llevó a Scala al nacimiento del «coro de rock» casi sin darse cuenta de ello.
Su primer CD, «Scala On The Rocks» fue lanzado el 1 de diciembre de 2002. La idea era simple pero atrevida: trasladar canciones de rock hasta un sonido creíble usando las voces de 40 mujeres jóvenes y un piano. El éxito de su primer trabajo, las críticas favorables por parte de la prensa y la audiencia, fueron más allá de todas las expectativas . El CD consiguió el apoyo de prácticamente todas las estaciones de radio belgas, los periódicos y las revistas, e incluso de importantes nombres de la escena del rock de Bélgica. El trabajo consiguió el disco de oro en el país, convirtiéndose en el primer coro en conseguirlo.
A finales de 2003 apareció su segundo trabajo, «Dream On», llamado así por la canción de Depeche Mode, y Scala comenzó su primer tour «On The Rocks» por toda Bélgica. Los países vecinos mostraron su interés y no pasó mucho tiempo hasta que Scala apareció en las listas de las estaciones de radio por toda Europa. En París, RTL2 y M6 desplegaron la alfombra roja y Nikola Sirkis, el cantante líder del grupo Indochine hizo saber que le encantaba Scala. Esto dio como resultado una colaboración con Indochine, un dueto con Nikola, dos conciertos en Bruselas y París en el mismo día y la aparición en «Starlight», el CD de esta banda. Debido a esto, el trabajo de Scala «Respire», un álbum con canciones de rock francesas, fue publicado en 2004.
En Alemania, Radio Fritz en Berlín descubrió a Scala por aquel entonces. Gracias a la emisión de su versión del tema «Engel» de Rammstein –que el propio grupo alemán aprobó de manera entusiasta– y un concierto en vivo organizado por la emisora en la misma ciudad en agosto de 2004, Scala comenzó a recibir peticiones para conciertos por toda Alemania, además de radios y cadenas de televisión. Actuaron con la banda germana MIA y en 2005 el grupo publicó «Grenzelos», su primer trabajo en alemán
En 2005, Steven, en compañía de Koen Buyse, líder de la banda belga de rock Zornik, comenzó a escribir sus propias canciones. La colaboración dio como resultado el álbum «It All Leads To This», publicado en Bélgica en septiembre de 2006, que de nuevo se convirtió en disco de oro, seguido de su propia gira por varios países en la que se enfatizaba el sonido, la luz, el escenario y proyecciones. Finalmente el concepto Scala estaba completo: tomar clásicos del rock y éxitos del pop, modificarlos y convertirlos en una dimensión totalmente nueva, utilizando voces femeninas. Simple pero genial.
En 2008 se le solicitó a Scala realizar un proyecto en recuerdo del legendario cantante belga Pierre Rapsat, que murió en 2002. El tour «Dans les Yeux d’Aurore» fortaleció la relación de Scala con la audiencia francófona de Bélgica. El número de conciertos en Alemania también aumentó sin parar y Scala interpretó más y más canciones en alemán, incluyendo su propia versión del éxito de MIA, «Hungriges Herz», que fue usado como melodía de una famosa publicidad en la televisión alemana.
Recientemente escuché esta versión de «Creep», el clásico de Radiohead, que forma parte de la banda sonora de la película «The Social Network» que se va a estrenar en octubre de este año. Sí, es una película basada en el origen y creación de Facebook… Me reservo la mi opinión al respecto, tan sólo quería hacer notar que en el trailer aparece la versión «suave», con la letra adaptada a «so very special» mientras que en el siguiente vídeo es la versión original del tema en la que la letra dice claramente «so fucking special». Cosas de la censura y la doble moral, como siempre.
When you were here before
Couldn’t look you in the eye
You’re just like an angel
Your skin makes me cry
You float like a feather
In a beautiful world
I wish I was special
You’re so fucking special
But I’m a creep
I’m a weirdo
What the hell am I doing here?
I don’t belong here
I don’t care if it hurts
I want to have control
I want a perfect body
I want a perfect soul
I want you to notice
when I’m not around
You’re so fucking special
I wish I was special
But I’m a creep
I’m a weirdo
What the hell I’m doing here?
I don’t belong here
She’s running out again
She’s running out
She runs runs runs
Whatever makes you happy
Whatever you want
You’re so fucking special
I wish I was special
But I’m a creep
I’m a weirdo
What the hell am I doing here?
I don’t belong here
I don’t belong here
He publicado algunos vídeos en Youtube y los pocos que he editado yo mismo han sido por necesidad, como cuando escribo un post acerca de alguna canción que me gusta y no puedo encontrarla en ninguna página. En esos casos uso el programa más simplón que ha caído en mis manos, el Windows Live Movie Maker. Simplemente uso la carátula del disco, añado la pista de audio y lo exporto con calidad 1080p. En principio puede parecer una burrada pero los vídeos que consigo tienen muy buen audio y ocupan muy poco espacio en relación a la calidad, precisamente porque es una imagen estática y nada más.
En alguna ocasión he tenido que hacer una edición más seria de vídeo y en esos casos he usado un programa de la empresa Ulead, el Corel VideoStudio Pro X3 que actualicé recientemente. Cuando usaba la anterior versión, la X2, tenía problemas para editar vídeos en formato MP4 y pensaba que con esta nueva versión se habría solucionado este molesto impedimento pero cuál sería mi sorpresa cuando compruebo que sigue todo igual. Cada vez que intento llevar a cabo alguna tarea con alguno de esos vídeos el programa se bloquea y se cierra.
A decir verdad no sé si se trata de mis vídeos o del propio programa pero la cuestión es que he tenido que convertir los archivos a formato AVI. La primera vez lo hice online desde la página Media Convert, una solución perfecta cuando no quieres o no puedes instalar software en el ordenador en el que te encuentres porque simplemente subes el archivo y te lo descargas una vez transformado. La cuestión es que con la velocidad de subida de mi conexión se puede convertir en una tarea muy tediosa cuando los vídeos que uso ocupan unos cien megabytes de media. Como me corría algo de prisa estuve buscando distintas soluciones hasta que di con un programa gratuito y bastante sencillo de utilizar, el Any Video Converter.
Una vez convertidos los vídeos a formato AVI usando el códec Xvid, editarlos en el VideoStudio es coser y cantar.
Escuchando el último podcast del programa de Radio 3 Trópico Utópico he escuchado la historia de Melody Gardot, una cantante y compositora estadounidense, concretamente de Filadelfia.
Mientras se encontraba con su bicicleta en noviembre de 2003, con 18 años, fue atropellada por un conductor con un Jeep Cherokee que se había saltado un semáforo en rojo. En el accidente sufrió graves heridas en la cabeza y la columna y su pelvis se fracturó en dos partes. Debido a estas lesiones estuvo confinada en su cama de hospital durante un año y tuvo que permanecer acostada boca arriba todo ese tiempo. Como consecuencia además tuvo que aprender de nuevo tareas sencillas como cepillarse los dientes y aprender a caminar. El efecto más notable de sus lesiones neurales fue que desarrolló una hipersensibilidad tanto a la luz como al sonido, por lo que necesita llevar gafas de sol oscuras prácticamente todo el tiempo para proteger sus ojos. El accidente también provocó problemas de memoria a corto y largo plazo además de dificultad en el sentido del tiempo. Gardot a menudo se refiere a esta condición como «escalar el Everest cada día» ya que a menudo se despierta sin recuerdos sobre lo que tiene que hacer ese día.
El accidente había dañado las vías neurales entre las zonas cerebrales que controlan la percepción y la función mental superior por lo que Gardot se convirtió, según sus propias palabras, «un como como un vegetal». Además de ser difícil para ella hablar o comunicarse apropiadamente, también le era difícil encontrar las palabras correctas para expresar sus sentimientos. Con la música y la plasticidad cerebral se fueron creando nuevas vías de comunicación en su cerebro, así que lo primero que aprendió fue a tararear y posteriormente fue capaz de cantar usando una grabadora. Hizo grandes progresos y fue capaz de llegar a escribir canciones que a menudo hacían referencia a su rehabilitación.
Como dato curioso, durante años después del accidente Melody viajaba con un fisioterapeuta y llevaba un TENS amarrado a su cintura que producía impulsos según necesitase reducir el dolor.
En su último disco aparece esta versión del clásico Over the Rainbow, con música de Harold Arlen y letra de E.Y. Harburg, escrita como parte de la banda sonora de la película El Mago de Oz e interpretada por Judy Garland en ese celuloide.
Theodore Walter «Sonny» Rollins (nacido el 7 de septiembre de 1930 en la ciudad de Nueva York) es un saxofonista de jazz americano reconocido como uno de los más importantes e influyentes músicos de jazz de la era post-bebob. La larga y prolífica carrera de Rollins comenzó a la edad de 11 años y comenzó a tocar con la leyenda del piano Thelonious Monk antes de cumplir los 20 años. Un gran número de sus composiciones, ente las que se incluyen «St. Thomas», «Oleo», «Doxy», y «Airegin», se han convertido en estándares del jazz.
